Interviews & Press

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Entrevista a la artista Eliana Perinat para la tesis
Mujeres artistas en contextos no urbanos de España: narrativas, experiencias y estudios de casos en el primer cuarto del siglo XXI. Por Teresa Cuesta-De-La-Cal, Departamento de Historia del Arte y Musicología, Universidad de Oviedo. Julio 2024.

Artista del paisaje/naturaleza, del medio rural, ecofeminista, conceptual, de Land Art, etc. ¿Crees que hay alguna etiqueta que te define como artista? ¿O prefieres ser tú quién defina tu trabajo? ¿Te integras en algún movimiento artístico?

Mi trabajo indaga sobre la realidad, y recurrentemente me enfoco en nuestra relación con la naturaleza, la que nos rodea y la que somos. El paisaje, el medio rural y el Land Art forman parte de mi obra.
Como mujer sensibilizada con la naturaleza, me siento cercana al Ecofeminismo, pero no me integro en ningún movimiento artístico.

¿Qué papel juega el paisaje y la naturaleza en tu trabajo?

Mi propósito es dar voz a la naturaleza, eligiendo procesos y soportes coherentes y respetuosos con ella. Creo que vivimos muy desconectados del medio natural, y es crucial que conozcamos, para poder cuidar (y cuidarnos), lo que ha sido el hogar de nuestra especie hasta hace unos pocos años.
El paisaje lo defino como la naturaleza en la que estamos inmersos y observamos. La simbiosis de todo lo que contiene un lugar, la actividad humana, animal, vegetal... juega un papel fundamental en mi trabajo en aquellos aspectos que conciernen al territorio y al hábitat… Lugar donde conviven personas con animales y plantas, doméstico/as y silvestres. ¿Cómo es esta relación y como pueden mantenerse sanos los hábitats, alcanzando o manteniendo un equilibrio entre todo lo viviente?
También me llama el paisaje por su dimensión estética, la belleza es espiritual para mí, pues nos conecta y transforma.

Háblame de tu trayectoria, de cómo empezaste, tus orígenes como creadora, cuáles son tus fuentes.

El arte ha estado presente en mi vida desde la infancia, fue un gran descubrimiento para mí el arte contemporáneo durante mi adolescencia. Me interesaron sobretodo los movimientos del siglo XX, cómo las ideas se plasmaban en formas plásticas que iban cambiando. La pintura era el lenguaje más cercano a mí, y fui descubriendo otros que también me inspiraron mucho. Desde mis inicios todo lo que tuviera que ver con la naturaleza me fascinaba.
En mis veintes sentí que el arte sería mi forma de aprendizaje, expresión y comunicación. En esta época empezaron a asombrarme los fractales y los patrones que se repetían en lo micro y en lo macro. Formas microscópicas similares a las encontradas en las del universo, tomadas por telescopios espaciales. También me impresionaban lo parecidos que son los dibujos que conforman la materia dentro y fuera de nuestros cuerpos. Todo esto me hablaba de un orden misterioso del que formamos parte, y el arte era mi manera de conocerlo y expresarlo.

En una siguiente fase, enfoqué el trabajo en mi propia biología, los ciclos de mi naturaleza: Mujer por Mujer. Partiendo de la sexualidad y fusión con el otro, a mi embarazo y experiencia de amamantar y de maternidad.
Fueron años de procesos potentes a los que quise dar voz a través del arte. Me parecía que estas experiencias, que sólo vivimos las mujeres en nuestro cuerpo, habían sido raramente expresadas visualmente. Quise transmitir su valor y el asombro que me procuraba esta conexión con mi cuerpo y con el misterio de la vida.
Destaco de esta época la serie que llamé Dar a Luz, que son dibujos que hice a amigas y a mí misma, montados en cajas de luz que cuando se encienden iluminan un embrión palpitante en nuestro vientre. Aluden al anhelo que sentía por la maternidad que tardaba en llegar. El cual finalmente celebré con la instalación The Womb Room, donde en el blando y rojo interior uno escucha el latido de corazones y se proyecta Umbilical Love, A self portrait of the artist journey into motherhood. Una obra audiovisual con imágenes de la concepción, mi embarazo, parto y lactancia.

Ocho años más tarde en Chrysalis, una performance con mi hija, quise representar el vinculo orgánico que nos unía poderosamente la una a la otra, y a la naturaleza. La manta de salvamento, irónicamente de oro, hace referencia a otras madres e hijas de nuestro mundo que llegan con hipotermia a nuestras costas. Un trabajo inspirado por mis emociones, activadas por la maternidad y por lo que estaba pasando a mi alrededor a la llegada del nuevo milenio.

Retomé la pintura para retratar las tan diversas y contradictorias situaciones eco-sociales del planeta, como las migraciones, las guerras, “las sociedades del bienestar”, el cambio climático y nuestra relación con la naturaleza. Ritual dancing emerging at a mall es una pintura de aquella época donde también aparecen madres con sus hijos e hijas en un ritual amazónico, fundiéndose en una inundación que ocurrió en un centro comercial de Australia.

Describe con la extensión que desees tu trabajo actual, obras, investigación, temas, contexto. Me interesa mucho que trabajas tanto las instalaciones site-specific como el trabajo gráfica y estilísticamente elaborado para una galería. ¿Existe una dicotomía entre lo efímero y lo que puede llegar a ser permanente (y vendible) en tu producción?

Actualmente he sentido que mi aportación como artista, más que incidir en los problemas complejos y de gran reto que vivimos, sería conectar con y transmitir un Reencantamiento con la vida. En oposición al desencantamiento weberiano, que está relacionado con la noción de desacralización de la sociedad moderna y tecnológica.
Sólo podemos cuidar lo que amamos. Necesitamos relatos positivos, que nos acerquen y sensibilicen a la naturaleza y a nuestra existencia desde la poética, el asombro y las sensaciones placenteras. El miedo y la frustración más que activar y ayudar, inmovilizan.
Para hablar de arte, aunque subyace un mensaje la obra ha de participar de un universo poético, debe tener múltiples lecturas y estar abierta a los diferentes significados que pueda inspirar al espectador. Si no, será propaganda o activismo puro y duro.

En esta línea, actualmente he trabajado sobre tres series:

Choptrees que remite a un juego de palabras en inglés. Chopsticks son los palillos “chinos” que recupero y con los que creo las instalaciones y Choptrees es lo que está pasando, pues estamos talando miles de árboles para cubiertos de un solo uso. Algo totalmente innecesario ya que se pueden hacer de pasta biodegradable lavable. Es un reflejo de la inconsciencia de nuestro tiempo. En tono metafórico, simbólico, creo árboles site-specific con los palillos reciclados, o los incorporo a troncos de árboles en el campo, como si de esta manera les devolviera lo que no tuvo que haber salido del bosque.
También hay piezas que son abstracciones site-specific creadas con palillos salvados de la basura para ser instalados en espacios expositivos.

Ánima da continuidad a una serie pictórica anterior donde retrataba animales y hábitats en extinción. Quise acercarme a los animales con los que crecí, y a la relación que tenemos con ellos –tanto con los que definimos en libertad como con los domesticados– con la intención de expresar, a través de la pintura o tallado, reminiscencias del misterio de la vida manifestado en estos seres del bosque. Estelas o reflejos del espíritu o de la consciencia cósmica, del Ánima Mundi. Presencia sutil solo para ser vista a través de una mirada reverente.

Birds of Passage, son collages creados con imágenes de aves, que están desapareciendo del mundo, y materiales de deshecho de mi trabajo artístico y arteterapéutico. Dialogando con ellos, en el jardín de la exposición Re-enchantment creé un nido de dimensiones humanas y otro de desechos encontrados en playas.

No siento que haya dicotomía entre la obra efímera y lo que puede llegar a ser permanente (y vendible) en mi producción. Creo que los distintos lenguajes pueden complementarse. A veces las instalaciones efímeras funcionan también cómo series fotográficas numeradas, y en ocasiones los videos forman parte de mis exposiciones, pero no siempre la instalación o el audiovisual es obra vendible. Puedo no considerarlas una pieza, sino un recurso digital o de apoyo. Es el caso del video que se presenta en Ánima, donde aporté material audiovisual, creado por Mónica Martinez-Bordiu para contextualizar la exposición en el marco del proyecto La Naturaleza del Paisaje.

Técnicamente, me llama la atención Ánima porque has conseguido reinventar la fotografía desde el punto de vista del soporte. Y cómo este te ha permitido unos retoques que enmarcan tu obra en una narrativa plenamente contemporánea. ¿Puedes explicar con más extensión todo este proceso creativo y los objetivos que persigues con el mismo?

Cuando quise enfocarme sobre el paisaje en el que he tenido la fortuna de pasar gran parte de mi vida, elegí partir de imágenes reales. Y me llamaron la atención las que toman las cámaras que se colocan en el campo y se activan por movimiento. Me atrajo el encuadre al azar, sin autor o presencia de persona alguna, donde el animal no siente amenaza, y me fascinó la fuerza enigmática de las imágenes nocturnas.
También hablaba de nuestra relación con la naturaleza, que la finalidad de este tipo de fotos fuera obtener información y controlar la fauna. Por ello, he querido mostrar en algunas de ellas los elementos de interacción humana como bidones y comederos.
Tras un mínimo ajuste digital, decidí imprimir animal sobre animal, sobre pieles y huesos que encontré a la venta para la elaboración de vestimentas, calzado o instrumentos musicales (otro aspecto de como nos relacionamos, casi sin plantearnos de donde vienen esos materiales cotidianos, o qué vida ha tenido el animal de origen).
Como si de un ritual se tratara, se fundían así el animal en libertad sobre la piel o los huesos del animal doméstico, de cría más o menos intensiva.
Los animales silvestres aparecen en su hábitat boscoso, donde los distintos reinos de vida se interrelacionan en equilibrio. Para completar la serie, he representado al Ánima del mundo vegetal a través de una selección de árboles singulares, impresos sobre la tan versátil madera.
Soportes orgánicos cuya evolución en el tiempo añadirá vida propia a las obras. Unas van cosidas manualmente, otras montadas sobre madera.
Finalmente, intervengo en la materia tallando, pintando o rayando, con la intención de expresar reminiscencias del espíritu o de la consciencia cósmica, del Ánima Mundi, manifestada en estos seres del bosque.

¿Cómo ves la situación del Mercado del Arte en estos primeros años del siglo XXI?

Creo que es cada vez más piramidal, concentrándose mucho en unos pocos. Las sucesivas crisis que hemos vivido han mermado el mercado intermedio, lo que afecta a muchos buenos artistas. Además, en España el mercado del arte es pequeño comparándolo con otros países de Europa.

¿Crees que el hecho de ser mujer te condiciona como artista, para bien o para mal? ¿Hay un enfoque de género en tus creaciones o es un tema que no aparece implícito en tu obra? ¿Piensas que algo está cambiando en la visibilización de las mujeres en el mundo del Arte?

Ser mujer me condiciona como artista en el sentido de que expreso lo que vivo desde mi cuerpo y experiencia como mujer.
Esto era obvio en mis obras Umbilical Love, The Womb Room, Dar a luz, Tan(t)ricamente, MujerxMujer…donde quería dar visibilidad a experiencias que creo se habían visto poco en el arte al haber sido casi en su totalidad una visión de la existencia masculina.
En mi trabajo actual no aparece la cuestión de género implícitamente. Pero creo que el hecho de ser mujer, y madre (y aunque no lo fuese somos y hemos sido cuidadoras desde siempre), hace que nos relacionemos de determinada forma con los demás seres vivos, humanos y no humanos.
También, hay una larga tradición de la conexión de la mujer con la tierra y con la artesanía que me inspira.
Sí, creo que algo está cambiando en la visibilización de las mujeres en el mundo del arte. Poco a poco están aumentando el reconocimiento y las oportunidades, al menos en el mundo occidental.

¿Cómo son tus relaciones con otras creadoras? ¿Hay un movimiento de sororidad, incluso temático, estilístico etc. o te parece inapreciable?

Destacaría la labor de asociaciones de mujeres artistas que buscan unir fuerzas para dar mayor visibilidad a su trabajo, y la de artistas que hacen la labor investigadora y de divulgación de mujeres artistas a través de la historia.
Me resulta muy interesante también trabajar colectivamente y acabo de reunir un grupo de mujeres artistas para un proyecto concreto de concienciación del mundo natural. Lo formamos artistas plásticas, visuales, de performance, diseñadoras textiles y de cocina vital, así como comisarias de exposiciones, mediadoras culturales y asesoras en comunicación.

Me interesa el papel de Internet y las Redes Sociales en el contexto creativo como medio de difusión, intercambio, trabajo en común especialmente entre mujeres artistas. ¿Cuál es tu experiencia y opinión al respecto?

Creo que internet y las redes sociales son muy útiles para la difusión, intercambio y trabajo en común de artistas y sus asociaciones.
En el proyecto colectivo que acabamos de crear, vamos a lanzar en redes una cadena de vídeos para dar a conocer el desequilibrio que está sufriendo la planta de la Chumbera en zonas extensas del área mediterránea. Cada persona aparecerá cuidándola, o recuperando la creatividad que ofrece la Cochinilla que está acabando la Chumbera, y cuyo tinte natural se ha utilizado desde tiempo inmemorial en América, y tradicionalmente en Europa desde que la trajeron los españoles.

¿Qué opinas de este movimiento creciente de la nueva ruralidad artística? ¿Por qué crees que se produce este éxodo de artistas hacia las áreas no urbanas? ¿Cuáles son los pros y los contras que puede tener?

Desde el punto de vista de los problemas ecológicos, creo que es bueno que volvamos a habitar las zonas rurales con equilibrio y respeto. También puede ser positivo para las personas, pues está comprobado que el contacto con el mundo natural nos tranquiliza y sube el ánimo. Y es muy interesante que los artistas vivan y expresen su realidad en estas zonas.  Creo que la vida en las grandes ciudades puede ser muy estresante, alienante y cara, y algunas personas, artistas o no, nos sentimos atraídas por tener más espacio, silencio y los beneficios que da estar rodeado de árboles, pájaros etc.
También es beneficioso que haya una relación de igual a igual entre la gente de la ciudad y del campo. Que estos sean reconocidos por su gran labor como productores de alimentos de calidad, por ejemplo, y que puedan tener buenos servicios, pues el mundo rural no es “la arcadia feliz”, y hay algunas barreras como la carencia de Internet de alta capacidad, la movilidad, la educación limitada, y el acceso a la financiación/inversión en los proyectos rurales, entre otras varias.

Entrevista a Eliana Perinat. Madrid, febrero de 2023

La entrevista se realiza en el marco de la investigación doctoral de Mónica Martínez-Bordiú (Los Montes de Toledo como objeto de estudio en el arte de paisaje del siglo XXI: hacia una pluriartelización del territorio), que tiene como propósito analizar desde la práctica, empleando los Montes de Toledo como campo de acción, cómo entienden y se enfrentan los artistas contemporáneos al arte de paisaje.

En primer lugar, necesitaría que me dieras dos definiciones, una para “paisaje” y otra para el “paisaje de los Montes de Toledo”.

Paisaje:
La naturaleza en la que estamos inmersos y observamos. Simbiosis de la actividad humana, animal, vegetal y de todo lo que contiene un lugar.

Paisaje de los Montes de Toledo:
Dehesa de encinas, rocas de granito, arroyos acompañados de fresnos, sierras de rebollos, jaras, y cantueso entre otras plantas y árboles autóctonos. Ganado que dibuja las copas de los árboles. Animales silvestres como jabalís, corzos, y ciervos. Gamos y muflones introducidos, linces recuperados. Muchos menos conejos, culebras, y lagartos que hace unas décadas. Aves rapaces, esporádicas parejas de patos y tantos más seres vivos en interconexión. Incluidos unos pocos humanos.
En mi caso, es el paisaje en el que tuve la fortuna de pasar gran parte de mi infancia y adolescencia, al que nunca he dejado de volver. Un referente fundamental, estético y emocional.

¿Conoces alguna representación artística o literatura en la que figuren los Montes de Toledo? En caso afirmativo, ¿Cuáles? No.

¿Crees que se puede catalogar tu obra para la exposición como arte de paisaje? ¿Por qué?

Sí, se puede describir así pues la obra parte de fotografías de paisajes generadas por una cámara activada por movimiento. Mi mirada, la humana, aparece después, en la selección.

¿Crees que el paisaje es uno de los hilos conductores en tu obra o simplemente se trata de un tema más a tratar?

El paisaje tiene un lugar prioritario en mi obra, pues indaga sobre nuestra relación con la naturaleza, la que nos rodea y la que somos.

¿Qué elementos son los que más te interesan del paisaje?

En mi trabajo los que conciernen al territorio y al hábitat. El lugar que contiene y donde conviven personas con animales y plantas, domésticas y silvestres. Cómo es esta relación, y como pueden mantenerse sanos los hábitats, alcanzando o manteniendo un equilibrio entre todo lo viviente.
También me atrae el paisaje por su dimensión estética, la belleza es algo  espiritual para mí, pues nos conecta y transforma.

¿Crees que los Montes de Toledo son un buen lugar para crear arte de paisaje? ¿Por qué?

Sí, para mí tiene valor que en los Montes de Toledo exista un equilibrio entre el ser humano y el territorio, más o menos sostenible/regenerativo, que dibuja prácticamente el mismo paisaje desde hace cientos de años. Esto le añade interés antropológico y ecológico para la creación artística contemporánea de este paisaje.
También es un buen lugar para crear arte de paisaje por su variedad de fauna y flora. Sus rocas y cambios en la orografía y estaciones que le confieren belleza y variedad.

¿Qué entiendes por monteño?

El que vive en y de los montes, y el que los cuida, regenera y custodia.

¿Te interesan los factores ecológicos del territorio? ¿Por qué?

Sí, los factores ecológicos son prioritarios para mí en cualquier contexto. Tan importante como cuidar el cuerpo o el hogar en el que habitamos. 

¿Consideras que hemos entrado en la era del antropoceno? ¿Qué importancia consideras que tiene el cambio climático en nuestra sociedad?

Sí, se puede considerar que estamos en la era del antropoceno en el sentido de que las actividades humanas tienen por primera vez impacto geológico y son la fuerza dominante que da forma al clima. Aunque no todos los humanos son igualmente responsables de la crisis climática.
El cambio climático es una de las principales causas de que la biodiversidad esté disminuyendo enormemente, y los ecosistemas en todo el mundo se estén transformando en otros. Causando muchos desastres naturales como lluvias torrenciales, sequías extremas u olas de calor sin precedentes que fuerzan a que cada vez haya más desplazados climáticos.

¿Sería posible realizar tu obra sin tecnología?

Sí, realizo muchas veces obra sin tecnología a través de la pintura mayoritariamente. También me interesa usar materiales de deshecho y orgánicos encontrados en la naturaleza, para collage o instalaciones.
En el caso de la exposición Ánima, ha sido fundamental la tecnología, ya que sin las cámaras con sensor de movimiento no habría podido registrar la vida oculta de la fauna de la zona.

¿Hasta qué punto ves interesante incorporar la tecnología en tu obra? Llegado el caso ¿lo harías?

Utilizo la tecnología cuando es la manera más adecuada para lo que quiero contar. Por ejemplo, en mi serie reciente Ánima, me llamaron la atención las imágenes generadas por cámaras que se accionan por movimiento y que se instalan en el bosque. Representaban a los animales con los que compartimos la tierra de una forma directa y real, ya que no había presencia humana que pudiera perturbarles. A demás de ser un mecanismo que es utilizado para controlar a la fauna, con lo que hace referencia a como nos relacionamos con estos seres.
También en esta serie utilicé la tecnología para seleccionar e imprimir las imágenes con las que quería trabajar.
Según el tipo de trabajo en ocasiones realizo videos. Para la exposición de Ánima en el marco de La Naturaleza del Paisaje, he colaborado con el vídeo de apoyo expositivo realizado por Mónica Martínez-Bordiú.

¿Recibiste formación académica que incluyera el land art en su temario?  

Sí, en los cursos que hice para el doctorado de Bellas Artes.

¿Además del campo específico de las Bellas Artes ¿de qué otras disciplinas bebes para crear tu obra de paisaje? 

También de mi formación audiovisual y de diseño.

¿Trabajas colectiva o individualmente? ¿Con quién? ¿Qué disciplinas tienen las personas que colaboran en tu obra?

Normalmente trabajo individualmente, pero cada vez me interesa más hacerlo colectivamente, para tener mayor impacto y por la riqueza de la colaboración.
Acabo de arrancar un proyecto juntando a un grupo de mujeres para unir la creatividad al cuidado de la naturaleza.

¿Formas parte de algún grupo de investigación? ¿De algún colectivo artístico? ¿Los miembros de dicho grupo vienen de otras disciplinas o son todos artistas?

Estamos formando un colectivo artístico nuevo para un proyecto concreto de concienciación del mundo natural, que puede tener continuidad para otros temas.
Lo formamos artistas plásticas, visuales, de performance, diseñadoras textiles, y de cocina vital. Así como comisarias de exposiciones, mediadoras culturales y asesoras en comunicación.